Тег — Видео
Esteban Diácono
Эстебан Диаконо начинал работать в конторе, снимавшей туристические комедии с живописными видами Аргентинской столицы, – оживлял логотипы штатных подразделений. Однажды у него возникла идея отправить небольшую демо-запись в офис компании Steinbranding Design Studios, основатель которой – Guillermo Stein – родоначальник аргентинского тв-брэндинга. Эстебан исполнил задумку, и вскоре его пригласили на интервью. Вспоминаются русские провинциальные рок-банды, которые отправляли демо-записи на сыплющихся пленочных кассетах арт-директорам питерского Red-club’a в мохнатые 90-е. Но большинство музыкантов ожидала провальная участь, а Эстебан сейчас живет и работает в Буэнос Айресе, неподотчетно принимает и отклоняет творческие предложения, фотографирует и делает дизайн в свое удовольствие.
Расскажи о своем background’е.
Я изучал графический дизайн в течение двух лет в Кордобе, это в Аргентине, там же я родился и вырос. Но, честно признаться, меня никогда не устраивал уровень преподавания в этом учебном заведении, так что я бросил все это дело, а на деньги, которые я должен был платить за учебу, начал покупать книги и заниматься самообразованием, то есть стал пробоваться, тренироваться, изучать проги, некоторое время спустя купил компьютер, супер-молниеностно скоростной 486 DX2 с Рамом на 8 mb и с винтом на 800 mb.
Когда и как ты начал заниматься анимацией?
В конце 90-х, кажется, в 1999 году. Я устроился на работу в маленькую компанию, которая снимала рекламные видюхи с видами города и продавала их туристам. Там я начал анимировать логотипы.
Почему анимация?
Меня восхищает сама идея, что вот графический образ можно заставить двигаться, выражать эмоции, его можно наделять свойствами человеческого характера, способностью рассказывать историю. Анимация дает безграничные возможности одушевления вещей. Также, важно отметить, что анимация – это индустрия, которая стремительно набирает обороты, для художника-аниматора каждый новый проект – новый вызов. Если у тебя есть нестандартные идеи, ты можешь делать все что угодно. Существует множество инструментов, приспособлений, ноу-хау, каждый раз надо продумывать, как реализовать свою идею – и мне интересно.
Что тебя вдохновляет?
Для меня основным источником вдохновения является фотография, я люблю наблюдать за тем, что происходит вокруг, в мире. Меня всегда привлекала работа со светом, тенями-полутенями, и, если у меня есть возможность выбирать, мне ближе всего принципы реализма, то есть, мне нравится добиваться сходства с реальным видом и состоянием вещей. Еще я люблю кино, и даже в графике я уделяю очень много внимания аналитической стороне, когда дело доходит до нарратива, в любой истории присутствует определенное соотношение сюжета и фабулы, его нужно прорабатывать. Перепады цветовые тонов. Тоже важно.
Что тебя мотивирует к работе?
Да вообще меня достаточно сложно усадить за компьютер вне рабочего времени, я стараюсь выползать из-за компа прилюбой возможности. Но если уж подворачивается что-то такое сильное, что сбивает меня с ног, то я сажусь, начинаю, конструировать и меня не оторвать. Как, например, в случае с видео на песню Олафюра Арно (Olafur Arnalds), там побуждающей силой выступила сама музыка. Здесь я просто не мог устоять.
В настоящий момент ты занимаешься какими-нибудь персональными проектами?
Несколько месяцев назад я начал делать небольшой проект, называется Kusudamas, но он временно приостановлен. Меня переманили на новый проект – это видео на последнюю песню Олафюра Арно, вещь эпическая, и видео будет потрясным, мы с Олафюром всегда береся за проекты с удовольствием и безвозмездно. Я так люблю его творчество, я так рад, что у меня есть возможность прикоснуться к его гению, вместе формировать визуальную иллюзию его музыки, вместе с ним путешествовать, так сказать.
Расскажи про импонирующие тебе темы, топики, проблемы, предметы и явления, которые наверняка вызовут у тебя определенный творческий интерес.
Я люблю какой-то особенной любовью абстрактное искусство, все мои работы отсылают к абстракционизму в той или иной степени. Абстрактный характер вещей диктует определенные параметры отношений между работой и зрителем – например, дает возможность свободной интерпретации, интерактивности, игры. Мне бы хотелось делать что-нибудь похожее на то, что делают ребята из Dvein studio (www.dvein.com)
Что можешь сказать о своих планах на будущее?
по максимуму стараться находить возможность путешествовать, продолжать работать и делать прикольные вещи, ввязываться в приятные и увлекательные аферы.
Какой для тебя Буэнос-Айрес? Как бы ты описал этот город?
Не судите строго за банальщину: Буэнос Аирес – потрясающий замес латинских корней и европейских влияний.
Где вы тусите в Буэнос-Айресе?
Мне нравится ходить в музеи и культурные центры. например, Музей Латиноамериканского Искусства города Буэнос Айрес, MALBA. Это мое любимое место. Еще Centro Cultural Recoleta. Или культурный центр им. Борхеса. Также, если есть возможность, – делаю выезды в Палермо, навещаю друзей в Сан Тельмо, занимаюсь фотоохотой. Еще обожаю ночной Буэнос-Айрес, ночную тусовку.
Quayola
Давид “Quayola” (Davide Quagliola) – видео-художник из Лондона, его “визитная карточка” – дробление графического исходника на мелкие эпизоды и симуляция (так называемая “particle simulation”) элементов видео на всех уровнях. Вырывание изображения из контекста, или деконтекстуализация, для Quayola – это повседневная практика: причем объектом видео-исследования (размельчения) становятся как витражи собора “Notre Dame” или “Saint Eustache”, так и кроссы Nike Air Maxim. Quayola буквально эстетизирует симуляцию, применяя ее в большинстве персональных проектов. Будучи художником итальянского происхождения, Quayola проявляет высокий интерес к живописи и архитектуре Эпохи Возрождения. Весь видео материал автора сосредоточен на исследовании “диалога между культовыми произведениями мирового искусства/архитектуры и современной дигитальной эстетикой.
Что за имя такое необычное?
Quayola – это всего лишь укороченный, слэнговый вариант моей фамилии, мои кореша меня так в детстве называли.
Расскажи о своем background’е?
В 14 лет я начал экспериментиваровать с дизайнами и звуком, конечно, с помощью компьютера. С тех пор, я не прекращаю эти эксперименты. В 19 лет я переехал в Лондон и получил степень бакалавра по специальности “interactive media”. В 2003 году вместе с архитектором Томмасо Францолини и кинорежиссером Чиарой Хорном мы основали творческий коллектив “HFR-Lab” («Лаборатория Гетерогенных Сфер Исследования»). В “HFR-Lab” мы работали в двух направлениях: снимали видео и делали инсталляции, которые по своей смысловой и функциональной сути являлись мини-исследованиями, изучающие маловероятные или нетрадиционные взаимосвязи искусства с другими областями. В 2006 году наши пути разошлись, и я запустил индивидуальный проект, которому дал имя “Quayola”.
Где ты живешь и работаешь?
С 2005 года живу и работаю в огромном складском помещении, расположенном в Восточном Лондоне, в Хэкни Вик (Hackney Wick), если быть точным. Склад условно можно “поделить” на 3 секции: мастерская (там, где находятся столы, компьютеры, книги, аудио оборудование, и т.д.), студия для фото-видео съемок и лаборатория (там, где находится осветительное оборудование, инструменты, декорационные задники), а также место, где я живу со своей подружкой.
Судя по нумерации в названиях твоих работ (“Strata” ##1,2, “Path to Abstraction” ##1-10 и др.), ты работаешь в жанре видео-этюда или видео-исследования. По какому принципу ты подбираешь «предмет» исследования?
Ну да, думаю мои видео можно считать видео-исследованиями, в какой-то степени. Более того, каждое видео нельзя воспринимать как отдельное исследование само в себе. Я, даже можно сказать, одержим этим жанром, и мое увлечение исследованиями в форме видео длится уже достаточно долго, поэтому большинство моих проектов состоит из нескольких связных, но непоследовательных видео. Но на выходе, разные исследования под одним названием могут иметь совершенно разный результат.
Почему ты решил посвятить себя «art motion»?
Не думаю, что моя работа попадает под какую-то отдельную категорию (кино, анимация, фотография, дизайн и др.), наоборот, с помощью того, что я делаю, я призываю размывать границы между сферами искусства и средствами. Эта установка очень органично вписывается в современную конъюктуру, то есть я считаю себя продуктом эпохи, в которой я живу и работаю, 21 век.
Можешь вспомнить каких-нибудь людей, или что-нибудь из недавних событий которые подтолкнули тебя на работу?
Сейчас я под сильным впечатлением от книги (я еще не закончил ее читать) итальянского писателя Жиоржио Васари «Художники и Судьбы», Флоренция, 1550 (“The lives of the artists” by Giorgio Vasari, Florence, 1550). Фактически, это первая летопись истории искусства, удивительно, насколько эта книга до сих пор актуальна.
Расскажи, какие люди/фильмы/политики/явления повлияли на твое художественное восприятие.
Ну мое восприятие как бы, наверное, было замешано на несовместимых вещах визуального характера…Из живописи: Ренессанс & Барокко, Футуризм, Кубизм, Русский Авангард, пейзажная живопись 18 века, Олафур Элиассон, Андреас Гурски (и другие фотографы школы Бехеров), Эдвард Бурнитски, Билл Виола, Рафаэль Лозано, Кэйси Риас и другие. Из архитектруры: Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Заха Хадид, Herzog & De Meuron, FOA, Coop Himmelb(l)au, архитектура Древнего Рима и Греции, готический стиль. Из дизайна: United Visual Artists, Troika, Art+Com, Universal Everything, Zeitguised. Из кинематографа: Хичкок, Кубрик (особенно фильмы 2001 года), «Звездные Войны» Лукаса (первые 3 части), Тарантино, Дэвид Кроненберг, Терри Гиллиам. Из документального кино: «Baraka» Рона Фрика, «Microcosmos», BBC Planet Earth Series…
… а также много всего другого: электронная и классическая музыка, природа, подводные чудища, кинокритика Славоя Жижека, лазерные ножи, технология быстрого прототипирования, ЦЕРН (CERN) – Европейская организация по ядерным исследованиям, еда, люди, прошлое, будущее, настоящее, итд…
Strata #2 (extract 2) from Quayola on Vimeo.
Помимо полюбившейся темы «расщепления на составляющие», что еще тебя привлекает, к чему ты будешь обращаться в следующих проектах?
В настоящий момент я работаю над несколькими проектами одновременно, или скорее дорабатываю существующие проекты. Например, мой последний проект называется “Partitura”, но это – всего лишь видео, выкантованное из уже существовующего видео по звуковой визуализации, его название “Path to Abstraction”, “Partitura” – это результат эволюции “PTA”. Я написал программу для того чтобы графические изображение (точнее, код) анализировало звук и 3-х мерные физические симуляции. Это видео я готовлю специально для биеннале в Бордо. Пока что я успел повесить в интернете его сэмпл, но и до релиза уже недалеко. У меня также есть «Topographica» – это доработка текущего проекта “Strata”. Работает по аналогичному принципу. В будущем я планирую использовать разработки, созданные на основе «Topographica», для исследования шедевров изобразительного искусства – мне интересно анализировать как культовые художники использовали правила их композиционного построения, загнать эти парвила в формулу и применять ее для создания новых или скорее производных “дизайнов”. То есть у меня выходит что-то вроде топографическое исследование шедевров классической живописи.
Path to Abstraction #10 from Quayola on Vimeo.
Как ты подбираешь музыку к видео?
Обычно с тем или иным готовым проектом я иду к музыканту и прошу, чтобы он сделал для меня крутой запил. Я привлекал к участию в своих проектах таких людей как Plaid (Warp), Mira Calix (Warp), Bordeaux National Orchestra, Autobam, Gaiser (Minus), Michael Fakesh, и других музыкантов.
Какие заведения в Лондоне ты бы посоветовал посетить?
В Хэкни Вик полно лофтов, где проводятся отличные вечеринки. Выпить можно в районе Broadway Market, London Fields, Dalston и Shoredich. Если вы в Хэкни, зайдите в Bistroteque, Buenayre, там можно перекусить, если в Далстоне – в Mangal, Tava, Cirrik, в Клеркенуэлле (Clerkenwell) – в St. John!! Warehouse parties in Hackney Wick. Культпоход – Vyner Street, White Cube, Tate Modern и вообще везде и повсюду.
Agne Leccia – “La mer”, 1991
Корсиканец Агни Лексия (Ange Leccia) – один из родоначальников европейского видеоарта (1952 г.р.). Агни Лексия живет и работает в Париже, городе отнюдь не приморском, но из жизни в большом городе Агни извлекает минимум творческих импульсов, предпочитая говорить на языке метеорологических завихрений, молекулярного хаоса, поверхностей жидких звезд и потоков лавы, выплавляющихся из под земли. По словам Агни Лексия, на его творчество оказали влияние два автора – Джексон Поллок и Пит Мондриан. В настоящее время Агни практически полностью посвятил себя педагогике – его преподавательский стаж начинается в 1980 году в Академии искусств Гренобля, сейчас же Агни преподает в Исследовательском центре Императорского Дворца Токио (в Париже).
Barney Steel
Барни Стил – молодой и энергичный видеомейкер, основатель лондонского коллектива арт-коллабораторов The Found Collective. Среди последних работ Барни – клип на песню Fragile Tension успешно отыгравших вчера в Олимпийском Depeche Mode, а также мануальное видео по отращиванию бороды, которую Барни в последствии продал на сайте eBay (на вырученные деньги благотворительная организация Movember сможет продолжить глобальную борьбу против простатита).
Расскажи о своем background’е.
Мой папа – преподаватель ИЗО и истории искусств, и однажды в детстве он заставил меня нарисовать сосновую шишку, три недели он меня мучил, пока я не отработал рисунок достойно. Потом то же самое с лимоном. Таким образом, он привил мне терпение, развил способность концентрироваться, научил внимательно относиться к деталям, это очень помогает мне в моем «видео»-ремесле. Я начал с графики, потом изучал коммуникационный дизайн, получил степень бакалавра, потом попробовал анимацию, фотографию, изучал типографию, печать, я разнопрофильный боец, многое могу сделать-изобразить. Мне нравится пробовать новое, я хорошо усвоил, что коммерческая рутина может загасить созидательное начало в любом художнике. Да что ни говори, любая рутина мешает звучать душевной музыке в человеке, разрушает внутренние «стенки». Как только я начинаю чувствовать, что мои органы креативной секреции работают внатяг, я сразу пытаюсь сменить фокус. Не смотря на то, что большинство наших «контрачных» проектов – это анимация и видео съемки, где-то на периферии нашей практики замелькали и фотография и интерактивный дизайн, мы стараемся подключаться к проектам новой направленности. Я сейчас завершаю серию интерактивных инсталляций, которые будут выставляться вместе с моими фотографиями, выставка планируется на середину 2010 года.
Из кого состоит The Found Collective?
The found collective – это я и мой дружище Майк Шарп, мы основатели. До the found collective мы фрилансили по всему лондону, это продолжалось достаточно долго, и тогда появилась идея создать хаб (hub), собрать в нем талантливых фрилансеров, типа нас, составить из них большой коллектив, чтобы кинуть на работу над большим проектом. Мы рассчитывали на проекты, куда невозможно попасть, если работаешь в одиночку. То есть мы с Майком выступали уже в качестве продюсеров во главе компании, которая владела базой талантливых исполнителей (по сути они оставались фрилансерами), в сумме профайлов наша база представляла широченный спектр услуг, например фотографию, иллюстрацию, анимацию, итд. Но во что же вылилась попытка организовать все этих людей: в то что мы с Майком превратились в долбанных агентов. Все пошло не так как мы планировали. Поэтому мы оставили всю эту “коллективную” затею и сосредоточились на наших собственных проектах. Мы сотрудничаем с многими авторами, мы не хуже чем раньше можем работать в группе, с новыми людьми, но увы.
Что можешь рассказать о себе, помимо того что ты нереально круто снимаешь?
Не могу сказать, что я настолько суперкрут, я не эксперт, я постоянно учусь и тренируюсь, на это уходит большая часть моего времени. То, что я неплохо разбираюсь в примочках, – нормально, потому что моя работа подразумевает понимание технических нюансов, я должен постоянно шагать в ногу со временем, а значит постоянно развиваться, но что важно – сейчас я работаю как раз таки не над прикладным, а над фундаментальным аспектом создания видео – то есть фокусирую внимание на деталях и развиваю критическое мышление.
Из всех видео Depech Mode какое твое любимое?
Обожаю видео на песню «Wrong»
Как бы ты описал последние тенденции в области создания видео короткого метража или в фото-моушн-музыкально-графической области?
Я вам вот что скажу – всем до одного нужен хороший программист, без программиста режиссер как пират без попугая. Мы связаны по рукам и ногам, больше нельзя игнорировать все возрастающую роль компьютерных кодов, их сила растет. Их используют для создания программы под индивидуальный проект. Например, сам я могу только копировать и вставлять коды. К счастью, до меня во время дошло, что надо работать с людьми, которые умеют пользоваться C++ Open frameworks. Для видео на Depeche Mode нам пришлось создать как минимум дюжину компьютерных кодов, чтобы изобразить всю эту волшебную графику.
Расскажи про вашу студию?
Местность, где расположена наша студия, называется Shoreditch, это достаточно далеко от центра Лондона, окрестности, место славится своей любовью к «экстремальной» моде, то не к такой моде как «Готичекая Лолита». Неплохая студия у меня, большие высокие окна, несколько рабочих столов.
Кому в итоге досталась твоя борода?
Бывшей девушке моего друга, ее бурундучок страдает алопецией. Я на самом деле просто подумал, что если попробовать какое-то время не брить мою куцую рыжую бородо-кисточку, на месте которой у меня должна быть борода, посмотреть, что вырастет, и срубить немного денег, сделать доброе дело… то это может того стоить. Но вообще, сначала ко мне пришла идея анимировать бороду, а потом уже случилась вся история с благотворительностью и eBay’ем.
Какие вещи ты одобряешь, а какие не поощряешь в работе с коллегами?
У меня есть брат близнец, но мы не идентичны: у него соски коричневые, а у меня розовенькие; но, будучи братьями, мы всегда всем делимся друг с другом. Так вот, я не приветствую, когда люди не умеют или не желают делиться, особенно знаниями или опытом. Я большой фанат того, кому не сложно поделиться «профессиональной» фишкой, секретом; лично меня это только стимулирует к росту, к тому чтобы узнавать или придумывать новые фишки, приемы и так далее. Как только ты что-то зажимаешь, ты становишься уязвим, тебя быстро обойдут, особенно в Лондоне.
Что тебя вдохновляет?
Мои мотивации меняются в зависимости от того или иного «предмета страсти». Было время когда я всю душу вкладывал в проекты по анимации, использовал некомпьюторизованные технические приемы, часами сидел приросший к анимационному столу и анимировал. Теперь меня вдохновляют возможности интерактивного проектирования. Но, будь то мультипликация компьютерная или обычная, лучшие из моих фильмов были созданы на впечатлениях от путешествий, удачных коллабораций и тот результат, который давала моя работа. То есть вдохновение может застигнуть тебя на всех уровнях работы.
Судя по разделу «фото» на сайте The Found Collective, тебе удается много путешествовать?
До таких парней, которые могут сами оплачивать все свои идейный ходы, мне еще расти и расти. Мне очень повезло с проектом D-FUSE (группа деятелей различных арт-дисциплин, основанная в Лондоне), за финансирование которого взялся Британский Совет. Нам с D-FUSE пришлось много путешествовать (что было продиктовано нашими проектами), для этого мы подробно расписывали для Совета каждую заявку на командировку, и ни в одной нам не отказали. Когда я не могу найти спонсора, приходится платить из своего кармана. Как, например, с панорамной съемкой во Вьетнаме, хотя потом мне все-таки удалось найти деньги на печать и организацию вьетнамской выставки, а также огромной инсталляции. А недавно я вернулся из Франции, где катался на доске в долине La Tania.
The Forest City Rockers
www.forestcityrockers.com
www.eightyfourfilms.com
Forest City Rockers – сериал про байкеров постмодернистской эпохи, которые растеряли остатки былой славы. 1%, войско Чингис Хана, бойцы костоломы, воспеваемые Алленом Гинзбергом в поэме “Ангелы Ада”, вводящие народ в чувство нечеловеческого страха, – от статусности байк-субкультуры почти ничего не осталось. Eighty Four Films – мультипликатор Джим Диршбергер (Jim Dirschberger) и художник Джей Хауэлл (Jay Howell) – одухтворяют простые образы обитателей калифорнийских байк-лагерей и байк-трущоб. Rockers ввязываются в дрязги с молодежью на fixed gear велосипедах, скейтерами, геями, проститутками, поп-звездами, владельцами автозаправок, и по степени треш-панкоты и силе “коммунального” чувства не уступают самим Ангелам Ада.
Что из себя представляют современные американские радикалы? Какой у них образ жизни, ценности?
Мой герой-радикал – это каждый, кто делает что-то, не спрашивая и не ожидая “сверху” команды к действию. Не будь бабой, определись. Вот у нас нет денег. Но не смотря на это, мы делаем видео с телевизионным хронометражем, и особых проблем не возникает. Если тебе это нужно, действуй. Не сделаешь ничего – сам будешь потом об этом плакать.
Forest City Rockers запущен только в сети или американские граждане также смотрят сериал по телевидению?
Ну пока что мы только в сети, но это ни сколько не отбивает охоту продолжать готовить новые эпизоды. Мы ценим свободу, которую нам предоставляет Интернет. С другой стороны – на телевидении деньги. В будущем, возможно, будем и на ТВ.
На какую целевую аудиторию вы рассчитываете?
Возраст: 18-24 года, мужчины с ярко выраженным пристрастием к легким наркотикам и не весьма серьезными церебральными нарушениями.
С Forest City Rockers работаете на заказ?
Сейчас (и с самого начала) это независимый проект. Следующую серию мы повесим на обновленном сайте, где появятся баннеры некоторых наших спонсоров. Лично я ничего не имею против работы по контракту, но, честно говоря, у меня воображения не хватает для того, чтобы представить клиента, который захотел бы на своем интернет-ресурсе держать видео про грязных пьяных рокеров!
Как появились герои и «концепция» сериала? Почему картинка черно-белая?
Художник и соавтор, Джею Хауэлу (Jay Howell) хотел сделать так, чтобы графика передавала нашу идею цельно, честно и правдиво. Когда мы начали делать первый эпизод, Джей попробовал работать в черном и белом, так и оставили. Хотя мне нравится время от времени перебивать ч/б картинку цветом, чтобы связать сцены, и в тоже время поделить кусок видео на более мелкие части, но в целом мы ограничиваемся черно-белой «палитрой».
Почему на всю банду рокеров всего один мотоцикл?
Эти рокеры слишком тупые, или бедные, или все сразу, чтобы купить себе новый мотоцикл.
Среди вас тоже есть байкеры/рокеры?
Каждый, кто принимает участие в создании эпизодов, должен сделать себе портачку с буквами FCR (от Forest City Rockers). Я вот что скажу, такой поступок демонстрирует высшую лояльность и, что не мало важно, дух панка.
Графика Forest City Rockers напоминает графику Фила Мюллоя – согласишься?
На вопрос будет отвечать Джей: «Кто такой Фил Мюллой? Мм, спасибо».
Расскажи, кто повлиял на твое художественное восприятие, стиль анимации?
Таких людей так много, здесь едва хватит места. Из последних художников: Tom Bunk (Mad Magazine), Matt Furie (Boys Club), Carson Mell (автор и иллюстратор, Saguaro), Jim Van Bebber (создатель фильма «Manson Family»), John Dwyer (муз.коллектив Thee Oh Sees), Alex Klein (режиссер «God Went Surfing With The Devil») и Marty Anderson (муз.коллектив Okay)
Где находится база Forest City Rockers?
В самом сердце района Мишн (Mission district) в туманном Сан-Франциско.
Вы стараетесь сохранять в каждом эпизоде похожую структуру – например, вставляете в сюжет записи с концертов любимых панк-групп?
Да, в каждом эпизоде есть кусок с живым выступлением какого-нибудь музыкального коллектива. Как правило, это наша любимая группа, либо это наши друзья. Большинство музыкальных групп, которых мы ставим в сетку эпизода – обожают смотреть Forest City Rockers. Выступления мы снимаем сами. Я бы хотел по-больше таких музыкальных перебивок, но анимация занимает все мое чертово время.
Какие планы у Eighty Four Films на ближайшее будущее?
В этом новом году мы готовим к он-лайн публикации (на DwyerMoive.com) документальный фильм (с хронометражем полноценного художественного фильма). Так же выпустим парочку анимационных фильмов. Ну и новые эпизоды Forest City Rockers. Следите за релизами на EightyFourFilms.com
Steffen Seeger (Mind The Face)
Стеффен Зегер – живописец, работающий в полном цвете, – представил нуар видео в манере endless sketching. Стеффен работает в Берлине, хотя до 2004 года жил в Потсдаме, немецкой столице дизайн-колледжей и неофашизма.
“Я начал серию портретов тушью – рисовал лица в одну непрерывную линию. В голову пришла мысль: вместо бумаги и туши использовать тонкие длинные лоскуты ткани. Что мне позволяет использование полосок ткани – я размещаю их на поверхности и в любой момент могу менять линию, снова и снова. Мы засняли процесс на видео. Первый раз мы снимали на небольшую mini dv камеру в очень низком разрешении. Для монтажа я использовал i-movie, для звукового фона использовал микс из сэмплов немецкого свинга 30-х годов, получилось как в фарсовых немых фильмах того времени. Второе видео было сделано в коллаборации с моими друзьями из творческой группы Pfadfinderei для шоу в Casa da Musia в Порто (Португалия). Мне кажется, для меня рисование нарезками ткани – сродни анимации «в живую». На выходе получилось что-то вроде ре-анимации живых объектов”.
PSST!
www.psstpassiton.com
PSST! – группа сменяющихся художников, дизайнеров, графиков, аниматоров, композиторов, создающих анимационные фильмы. Технология создания фильма представляет собой полный цикл дадаистской игры в «утонченный труп» на графических планшетах. Вольная аббревиатура PSST!, которая раскладывается на pass it on – передай другому, – соотносит в себе два начала – игровое и графическое. Результатом каждого раунда становится анимационный фильм обо всем и ни о чем. Неизменный основатель проекта, Брэн Доэрти-Джонсон, собирает команды, делает замены и руководит ходом игры. В создании каждого фильма принимают участие 3 команды, которые в лучших традициях коллаборации производят зачин, середину и концовку фильма. За три года работы PSST! собрала 51 команду и сняла 17 фильмов.
Кому принадлежит идея создания PSST!?
История создания PSST! отсылает к 2006 году, когда я задумал создать проект, объединяющий в себе динамическую графику, компьютерную анимацию и визуализацию, и подключил туда тех друзей и коллег, которые у меня на особом счету. Реализацию этого проекта можно сравнить с тем как сон, который только что проигрывался в голове спящего человека, после внезапного пробуждения оказывается реальностью. Я не стал ничему противиться, бросил службу, начав работать на себя и для себя в направлении создания своего продукта. Таким образом, PSST! в каком-то смысле сильно помогла мне и моим коллабораторами начать работать воплощением идей по собственной инициативе и не разделять права на фильмы с левыми людьми.
Как вы договариваетесь о теме или истории для фильма?
Тема проекта всегда открыта, нет таких тем которые перекрывали бы другие по частоте возникновения. Структура PSST! и определенный процесс работы, сложившийся у участников группы, обеспечивает ощущение связности в фильмах. За первыми по очереди художниками лежит право выбора истории. Другие художники следят за ходом мысли в истории предыдущей части и создают свою часть как пристройку к первой и в то же время реакцию на нее.
Откуда взялась трех-составная структура фильмов?
На трехдольную структуру фильмов нас вдохновила игра, известная под названием «утонченный труп» (the exquisite corpse will drink the wine). Ну и вообще, три – это же магическое число, так ведь?!
Что каждого из вас вдохновляет на работу? Есть сходства и различия?
Ну, конечно! Три главных источника вдохновения – это жизнь, музыка и девчата, классика жанра.
Расскажи о своей студии?
Я живу в небольшом городе в Лонг-Айленде, в 100 км от Нью-Йорка. Работаю из дома, поэтому рабочее место у меня тихое и спокойное, за исключением непредсказуемых налетов моих детей, старшему 5 лет и младшему 2 года. Нет, на самом деле моя студия – это я, мой Mac и Интернет – атмосфера располагающая к рисованию, созданию дизайна, общению и анимации.
Учитывая все аспекты создания ваших видео, сколько занимает процесс от первого рисунка до последней минуты готового фильма?
Если говорить о фильмах, входящих в PSST!3, здесь ушло в среднем по году на каждый, и я бы сказал, что каждая часть фильма – это около месяца работы. Но время работы варьируется в зависимости от команды, мы не замеряли, но уверен, что у кого-то создание фильма заняло больше времени, у кого-то меньше. Как правило, все зависит от индивидуального распорядка и перегруженности авторов на их трудовых фронтах.
Вы придерживаетесь одного общего на весь фильм сценария, прописанного заранее, или просто каждый рисует то, что ему придет в голову?
Как правило, для каждой секции готовится сценарий, но общего сценария нет. Каждая последующая секция прибавляется к предыдущему смысловому плану, который перекручивается, переворачивается, гнется и отклоняется в новую сторону. Что касается зрителей – подсознание каждого зрителя устанавливает собственную связь между частями, даже если в их основе лежат принципиально разные истории. Я изучил несколько исследований 2009 года (http://www.sciencedaily.com/releases/2009/09/090915174455.htm), которые ставят свои тезисом следующую вещь: чем больше подвергаешь себя воздействию по сюрреалистическому принципу – тем больше усиливаются когнитивные функции мозга. В этих исследованиях я нашел подтверждение своим идеям, и наконец успокоился. Я же с самого начала хотел быть уверен, что делаю что-то полезное для общества!
Какие музыка\кино\жизненные явления\художники повлияли на тебя в целом, то есть их влияние проглядывалось еще до того, как ты начал заниматься анимацией?
Ну блин, там куча всего. Я бы хотел, конечно, выделить «Звездные Войны», комиксы Elfquest, «Воины Дороги», «Битва Титанов», а также таких художников как Кита Харинга (Keith Haring) и Эда Эмберли (Ed Emberly) – это перечень людей и явлений которые оказали влияние на мое культурное и творческое восприятие еще до того, как я начал задумываться о том, чтобы делать какую-то анимацию. Я вырос в Нью-Йорке 1970х, мною занимались мои родители, которые были потрясающими людьми, и с малых лет таскали меня по галереям, это важный и формирующий момент в моей биографии. А еще я запоем смотрел кунг-фу фильмы. Такие вещи прочно западают в мозгу.
А за последние несколько месяцев можешь вспомнить какие-нибудь прецеденты сильного влияния?
Недавно я наткнулся на две анимационных работы, которые меня просто поразили, каждая по-своему. Первая – это Yellow Cake Ника Кросса (Nick Cross), а вторая – это The Father, видеоработа, созданная ребятами из Sticky Monster Lab.
“Earth” (Pfadfinderei)
“Earth” – часть инсталляции в рамках проекта визуального лейбла Dalbin под названием “5 Elements”. Пять авторов (Pfadfinderei (земля, Берлин), Jin (Вода, Япония), Bowling Club & Remote (огонь, Париж), François Chalet & Seelenluff (воздух, Швейцария), Skolz Kolgen (эфир, Монреаль), получивших предпочтение организаторов, визуализировали индивидуально подобранные музыкальные композиции.
Видео инсталляция представляла собой пять установленных в ряд экранов стандарта Dolby Digital 5.1. Задача художников, в соответствии с задумкой лейбла, состояла в том, чтобы создать аудио-визуальное пространство, имитирующее пять “основных” элементов (землю, воду, огонь, воздух, эфир). Инсталляция была представлена в 2005 году в Центре Помпиду в Париже.
Pfadfinderei [ fɑ:d'fɪndɜ:raɪ ] – группа графиков, музыкантов (Modeselektor) и дизайнеров, объедененных общими взглядами и определенным творческим подходом к вопросам стиля, эстетики и повседневной красоты.
Земля, по словам участников Pfadfinderei, представляет собой структуру в чистом виде, множество совмещенных структур. Для того чтобы передать “структуру”, было сделано следующее: на несложный видеоряд был наложен графический слой, представляющий собой красную линию, беспорядочно ломающуюся и деформирующуюся под синхронизированные удары звука (beats). “Мы роняем камень, он ударяется об землю и другие камни. В результате мы слышим приглушенный лязг. Что мы можем сделать с этой единицей звука, чтобы наполнить звуковое пространство и связать с раскроенной картинкой: растянуть его, поиграть с его высотой”. Запись звука, извлекаемого из ссыпания земляных горстей и запуска каменных перекатов, выполнялась одновременно с записью изображения. Битовый характер звука обусловлен музыкальной стилистикой Modeselektor, играющих break beat. Красная линия исполняет роль буфера между видеозаписью и звуком, сглаживающий их формальные различия.
“Мы фильтры, человеко-интерфейсы между визуальным и звуковым. Видеть ушами, слышать глазами, эволюционировать – наша основная задача”.
Todd Vanderlin
Тодд Вадрелин – американский дизайнер, работающий на передовых рубежах визуального искусства: в то время как его современники поражают невероятными масштабами и злободневностью идей, Тодд смещает акцент в сторону интерактивности и компактно реализует свои задачи в программе C++. Наряду с таким художником как Теодор Уотсон и райтерами из graffiti research lab Тодд продвигает среди арт-сообщества использование вышеупомянутой программы. На все творчество Тодда, независимо от природы изображаемого предмета – будь то 3d имитация травы или интерактивные видео-щупальцы – распространяется принцип «красота спасет мир», с которым художник совмещает простое человеческое желание «have fun».
Расскажи о своем background’е и как давно ты начал работать в С++?
Я занялся программированием еще в начальной школе, а в С++ работаю последние 3 года. Моя мать художник-импрессионист, а отец доктор, то есть я появился в результате совместных усилий со стороны людей искусства и науки.
Как ты думаешь, для того что ты делаешь, хватает названия, совмещающего 2 существующих понятия – art (design) и technology? Или необходимо произвести новый термин?
Не вижу явной необходимости, с возникновением нового термина у художников всего лишь появилась бы возможность идентифицировать себя и кучковаться. Этот, так сказать, новый виток в развитии современного искусства – результат схлестывания науки и дизайна. У нас появилась уйма новых средств, и при таком раскладе наши возможности бесконечны.
Насколько для тебя важен дизайн, то есть внешний вид?
Дизайн важен не меньше хорошей композиции. Частенько в меня закрадывается чувство, что использование программы для создания предметов дизайна/искусства может дорого нме обойтись. Здесь есть соблазн перепоручить весь творческий процесс программе. Но мне кажется, что художник и программа должны работать в паре следующим образом: программа производит композицию (с помощью кода), а художник генерирует идею и тем самым управляет процессом.
А в свободное от программирования время как ты в себе развиваешь эстетические вкусы?
Когда я начинаю работать над новым проектом, я представляю его себе в образе ведра с деталями Lego. Я создаю необходимое мне количество «кирпичиков» и пробую составлять из них разные комбинации. Именно так я себя представляю процесс создания дизайна, не больше не меньше, никакой эстетики.
Творчество каких авторов на тебя повлияло?
Меня вдохновляют работы Джонатана Харриса (Jonathan Harris, www.number27.org). Через свои проекты он рассказывал какую-то невероятно крутую историю.
Как ты подбираешь музыку в сопровождение к видео?
Я просто открываю iTunes, запускаю какой-нибудь рабочий проект, смотрю и слушаю. Как только обнаруживается идеальная совместимость двух планов – проблема решена.
Каковы базовые задачи, которые ты ставишь перед проектом?
Я хочу, чтобы мои проекты вызывали на лицах людей улыбки, а также хотелось бы, чтобы мои работы на какое-то время оставались в вашей памяти.
